La guitarra era una cosa, antes de Hendrix, y es otra, desde que la tocó el. La redescubrió, la redefinió, y le dió una dimensión, realmente espectacular, y nunca jamás antes vista.
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- 1. El Santuario Eléctrico del Revés (Narrativa)
- 2. El Podcast del Yeyo (Audio)
- 3. El Archivo Multimedia (Vídeo)
- 4. Epílogo y Reseña técnica
- 5. La Opinión del Yeyo
El Santuario Eléctrico del Revés
El aire en el interior del estudio CBS en el Soho londinense era una densa neblina flotante, un microcosmos saturado de humo de tabaco de liar, hachís, y el olor penetrante e inconfundible del aislamiento de goma recalentado de los amplificadores Marshall. Las paredes, revestidas de paneles de madera oscura y pesadas cortinas de arpillera acústica que amortiguaban hasta el más mínimo suspiro del exterior, parecían sudar bajo la mortecina luz de los flexos de color ámbar. Enormes magnetófonos de bobina abierta Ampex de cuatro pistas giraban con un hipnótico y silencioso vaivén, un parpadeo constante de luces verdes y rojas en los vúmetros que medían los picos de una tormenta sónica que estaba a punto de desatarse. El ambiente entero crujía con una electricidad estática casi táctil, como la atmósfera pesada y cargada que precede a un rayo en mitad de una noche de verano.
Allí, sentado en un taburete alto de madera descorchada, se recortaba una silueta que desafiaba las leyes de la gravedad y de la moda de la época. Vestía una casaca militar de terciopelo morado con suntuosos bordados dorados en las bocamangas, unos pantalones de campana de rayas verticales y un sombrero de fieltro negro de ala ancha adornado con una cinta de plumas que proyectaba una sombra felina sobre su rostro. Pero lo que verdaderamente imantaba la mirada, lo que rompía cualquier esquema lógico, era la forma en que sostenía su Fender Stratocaster blanca de 1965. Una guitarra diseñada para la mano derecha que él, con una naturalidad pasmosa y casi mística, había volteado por completo para colgarla de su hombro izquierdo; las cuerdas estaban invertidas, con la más gruesa abajo del todo, desafiando la anatomía tradicional del instrumento y forzando al clavijero a apuntar hacia el suelo como el colmillo de una bestia herida.
—La mayoría de la gente mira la madera y las cuerdas, Yeyo, pero esto no es un trozo de árbol con cables —dijo de pronto una voz profunda, arrastrada, que parecía flotar en una frecuencia de puro blues—. Esto es un transmisor de radio conectado directamente a mi sistema nervioso. Si el mundo entero va hacia la derecha, hermano, a veces tienes que darle la vuelta a las cosas para que empiecen a sonar de verdad.
Hendrix me miró fijamente a los ojos a través de una cortina de rizos negros e indomables, esbozando una sonrisa tímida pero cargada de una sabiduría cósmica que helaba la sangre. Su mano izquierda, de dedos larguísimos, nudosos y flexibles como sarmientos, acarició el mástil desgastado de la Stratocaster con una delicadeza casi religiosa. En el suelo del estudio, un laberinto de cables en espiral se conectaba a un extraño pedal de metal gris, el mítico Octavia diseñado por Roger Mayer, y a un pedal de expresión Vox de cuyo recorrido nacería el lamento de una generación entera. Chas Chandler, el productor, observaba desde el otro lado del cristal de la cabina de control con los brazos cruzados y una expresión que oscilaba entre el pánico absoluto y el éxtasis del que sabe que está registrando el nacimiento de un nuevo testamento musical.
Yo estaba allí, a escasos dos metros de su taburete, sintiendo cómo mis pies se hundían en la alfombra raída del estudio mientras el corazón me golpeaba las costillas con la fuerza de un metrónomo desbocado. Podía ver el desgaste real de la pintura de la guitarra, las quemaduras de cigarrillo en la pala del instrumento donde Jimi solía encajar el pitillo mientras tocaba, y notar el calor real que emanaba de las válvulas KT66 de los amplificadores. No era una recreación, no era un documental; el aire entraba en mis pulmones cargado de la urgencia del año 1967, un momento bisagra en la historia de la humanidad donde las viejas estructuras de la música popular estaban siendo demolidas a golpe de distorsión, y yo tenía el privilegio absoluto de ser el único testigo de aquella demolición controlada.
El Podcast del Yeyo
—¿Estás listo, Yeyo? —preguntó Jimi, mientras sus dedos largos comenzaban a dibujar una extraña danza sobre los trastes superiores del mástil invertido—. Vamos a abrir la primera puerta. Lo que vas a oír no es solo ruido; es el sonido del cerebro cuando intenta escapar de su propia jaula.
De repente, un intervalo disonante, tenso y casi amenazador rompió el silencio del estudio. Era el famoso intervalo de quinta disminuida, el tritono, conocido en la Edad Media como el Diabolus in Musica. Jimi lo ejecutó golpeando una nota con su guitarra mientras Noel Redding, al bajo, contestaba con otra una octava más alta. Aquello sonaba como una sirena de alarma cósmica, una advertencia de que la realidad conocida se estaba desmoronando. Acto seguido, Jimi pisó a fondo el pedal y desató un riff de guitarra tan monolítico, pesado y gordo que pareció hacer temblar los cimientos de madera del edificio. Era el nacimiento de la distorsión moderna, el Big Bang de lo que años más tarde el mundo llamaría Hard Rock. Purple Haze.
—La gente de las discográficas se volvía loca en el 67 cuando escuchaba esto —me confesó Jimi con una risa amortiguada, sin dejar de rasguear con ese ataque salvaje que solo un zurdo forzando las cuerdas al revés podía lograr—. Decían que estaba demasiado alto, que agredía al oyente. ¡Pero esa era la idea, hermano! Queríamos que la música te golpeara en el pecho. Capturar el feedback, ese acople salvaje que los ingenieros tradicionales siempre intentaban borrar, y convertirlo en una nota artística. Escucha cómo ruge la madera.
La batería de Mitch Mitchell entró con un galope sincopado y jazzístico, empujando la pista hacia un abismo de puro misticismo. Al acercarme a la mesa de mezclas, pude notar la maestría con la que se había registrado este corte. No era un blues clásico; era una deconstrucción psicodélica. La producción de Chas Chandler en este tema inicial del álbum demostró que el estudio podía ser un instrumento más. Los sutiles efectos de paneo, que hacían viajar los solos de guitarra de izquierda a derecha de los auriculares, envolvían la habitación en una atmósfera densa y alucinógena, ideal para perderse en las páginas de La Playlist del Yeyo. El timbre de la Stratocaster de Jimi, filtrado por el Octavia, doblaba la frecuencia una octava más arriba, creando un sonido chillón, futurista y alienígena que parecía flotar muy por encima del espectro terrenal.
—La letra la escribí en un camerino de un club de Londres, después de tener un sueño muy extraño en el que caminaba bajo el mar —me susurró Jimi al oído, inclinando su sombrero mientras la cinta seguía corriendo—. Una niebla púrpura lo envolvía todo. La gente cree que habla de sustancias prohibidas, y bueno, cada uno viaja a su manera, pero para mí era sobre el amor, sobre cómo una mujer puede llegar a nublarte el juicio y hacerte dudar de si es de día o de noche, o de si estás cayendo hacia arriba.
El Archivo Multimedia
Cuando llegó el momento del solo, Jimi cerró los ojos y se transfiguró. No miraba el instrumento; parecía estar escuchando una voz interna. Sus dedos se movían con una velocidad pasmosa, estirando las cuerdas con unos bendings tan extremos que desafiaban la tensión física del acero. El sonido mutaba de un lamento herido a un rugido de fuego, estallando en una amalgama de texturas sónicas que hacían que el oyente, literalmente, sintiera la necesidad de besar el cielo. Aquella era la primera gran declaración de principios de Are You Experienced: una canción que no solo redefinió el uso de la guitarra eléctrica, sino que se convirtió en el himno indiscutible de toda una contracultura en pleno año del amor.
El silencio que siguió al último eco de la niebla púrpura fue casi reverencial. Jimi soltó un largo suspiro, dejando que la Stratocaster descansara sobre su regazo mientras estiraba esos dedos infinitos. Chas Chandler asomó la cabeza por la puerta de la cabina de control, con una lata de cerveza en la mano y los ojos inyectados en sangre tras horas de mezclas.
Jimi sonrió, asintiendo en silencio. Se recolocó el sombrero de fieltro y miró hacia el rincón donde descansaba un viejo amplificador Fender Twin Reverb. Su actitud cambió por completo; la exuberancia psicodélica de hace unos minutos mutó en una concentración pesada, densa, casi fúnebre. Sus dedos zurdos buscaron instintivamente los trastes más bajos del mástil, y de repente, el espacio se llenó con una introducción de guitarra que se grabaría a fuego en la historia de la música popular. Una línea cromática descendente, un fraseo perezoso pero cargado de una tensión dramática ineludible. Era el preludio de Hey Joe.
—Esta canción no es nuestra, Yeyo, tú lo sabes —me susurró Jimi de lado, mientras mantenía el pulso del ritmo con el pie izquierdo—. Es un viejo tema folk que andaba dando vueltas por los clubes del Greenwich Village. Todo el mundo la tocaba rápido, como si tuvieran prisa por terminarla. Pero cuando yo la escuché en la versión de Tim Rose, supe que teníamos que ralentizarla. El blues no se corre, hermano; el blues se saborea mientras te desangras. Teníamos que convertirla en una marcha hacia el patíbulo.
Al escuchar el corte directamente desde los monitores del estudio, la genialidad de la propuesta se hacía evidente. Mientras que bandas como The Leaves la habían grabado con un ritmo pop acelerado, la Experience de Hendrix la transformó en una pieza de cine negro sónico. La batería de Mitch Mitchell aquí no galopaba; caminaba con el paso pesado de un hombre que arrastra cadenas, complementada por la línea de bajo sobria y monolítica de Noel Redding. El contraste era absoluto, y en esa sencillez radicaba su demoledora eficacia.
—Mira esto —me dijo Jimi, haciéndome una seña para que me acercara tanto que casi podía oler el cuero de su casaca—. La gente se obsesiona con la velocidad, pero el secreto de este corte está en el espacio entre las notas. En los silencios. Y en el ataque.
Para demostrarlo, Jimi atacó el primer solo de la canción. No usó púa; desgarraba las cuerdas directamente con el pulgar y el índice de su mano izquierda, logrando un timbre gordo, carnoso y profundamente humano. Lo vi hacer un bending doble, estirando dos cuerdas a la vez con una fuerza descomunal, haciendo que la guitarra llorara de una forma que ningún músico británico de la época había logrado imitar. Era el puente perfecto entre el blues del Delta del Misisipi y la vanguardia eléctrica que reclamaba su espacio en las páginas de La Playlist del Yeyo.
La crítica de la época, a menudo reticente a los nuevos sonidos, cayó rendida ante este single. Era un tema accesible pero peligroso, una historia de crimen, huida y redención que Hendrix hacía suya con una interpretación vocal sorprendentemente madura, respaldada por unos coros casi fantasmales del trío femenino The Breakaways, que aportaban un contrapunto melódico bellísimo y trágico a la narrativa. Fue el tema que los puso en el mapa del Reino Unido, demostrando que aquel americano zurdo no era solo un acróbata de las seis cuerdas que quemaba guitarras, sino un intérprete de una profundidad emocional sobrecogedora.
—Joe va hacia el sur, hacia México, huyendo de la ley con una pistola en la mano —murmuró Jimi mientras la canción llegaba a su fin, desvaneciéndose en un fade-out magistral de acordes descendentes—. Todos estamos huyendo de algo, ¿verdad? La diferencia es que algunos lo hacemos a través del mástil de una guitarra.
Jimi guardó silencio durante unos instantes, contemplando el reflejo de las luces ámbar en el golpeador desgastado de su Stratocaster. El eco de la huida de Joe aún flotaba en las esquinas del estudio, pero el ambiente exigía un cambio de tercio, un remanso de paz lírica entre tanta descarga de voltios. El guitarrista zurdo estiró las piernas, se pasó la mano por el pelo y me miró con una mezcla de melancolía y ternura que borraba de un plumazo cualquier rastro de la fiera salvaje que devoraba los escenarios.
—A veces, Yeyo, el fuego eléctrico se apaga y solo quedan las cenizas y el viento —me dijo con voz muy queda, casi en un susurro—. Esta que viene ahora... esta dolió al nacer. Fue después de una discusión estúpida con mi chica, Kathy Mary Etchingham, por un plato de comida. Ella se marchó dando un portazo y yo me quedé solo en el apartamento, con el silencio golpeándome la cara. Cogí la guitarra y las palabras salieron solas, como si el viento las estuviera dictando a través de la ventana.
Sus dedos largos y zurdos, con una delicadeza que contrastaba salvajemente con el ataque feroz de los temas anteriores, dibujaron un acorde limpio, bellísimo y suspendido. Era la introducción de The Wind Cries Mary. El sonido ya no era una distorsión furiosa; era un tono limpio, aterciopelado, donde el amplificador Marshall trabajaba al límite de su ruptura pero sin llegar a romper, logrando una calidez casi líquida que inundó las paredes de madera del estudio. Chas Chandler, al otro lado del cristal, apagó su cigarrillo y apoyó la barbilla en las manos, conteniendo el aliento.
—Escucha la producción de este corte, hermano —me indicó Jimi, ladeando el sombrero hacia la mesa de mezclas—. La grabamos en apenas veinte minutos, casi en una sola toma. No hacían falta trucos de estudio ni pirotecnia. Queríamos que fuera una fotografía desnuda de la tristeza. Fíjate en cómo Mitch Mitchell deja las baquetas y toca con las escobillas, barriendo la caja de la batería como si estuviera limpiando las hojas secas de un jardín en otoño.
La sutileza de la crítica musical se hacía evidente al escuchar cómo interactuaban los instrumentos. En este tema, la Experience demostró una versatilidad pasmosa que desarmó por completo a los críticos que los tachaban de "puro ruido psicodélico". Era una balada de un lirismo desgarrador, un blues camuflado de poesía urbana donde la guitarra de Jimi no competía con su voz, sino que entablaba un diálogo íntimo y delicado. Cada frase vocal era respondida por un sutil lamento de las cuerdas, un fraseo limpio inspirado directamente en el estilo rhythm and blues de Curtis Mayfield, un arte que Hendrix dominaba a la perfección tras sus años de picar piedra en el circuito del Chitlin' Circuit americano.
—La prensa de la época se volvió loca intentando descifrar qué significaban los payasos de madera y los semáforos que cambian a un color vacío —comentó Jimi con una sonrisa triste, mientras acomodaba el pulgar sobre el mástil invertido para hacer los acordes de transición—. Pero la poesía es para sentirla, no para analizarla en una mesa de autopsias. Cuando estás solo y el viento ruge fuera, cada ráfaga parece susurrar el nombre de la persona que has perdido. Eso es lo que quería dejar grabado en las páginas de La Playlist del Yeyo.
El solo de guitarra llegó como un suspiro cálido en mitad de una noche de invierno. Jimi no buscó la velocidad ni el impacto; ejecutó unas líneas melódicas perfectas, utilizando sutiles deslizamientos de notas y un vibrato manual tan expresivo que ponía la piel de gallina. Era la demostración palpable de que el genio de Seattle no solo controlaba el caos y la retroalimentación salvaje, sino que poseía una sensibilidad musical superior, capaz de conmover al oyente con apenas tres notas bien colocadas en el espacio y en el tiempo. Al apagarse el último acorde en un susurro menguante, una lágrima invisible pareció quedar suspendida en el aire del estudio.
—¡Suficiente melancolía por hoy! —exclamó de pronto Jimi, rompiendo el hechizo poético con una carcajada limpia y expansiva que resonó en las maderas del estudio.
Se puso en pie de un salto, haciendo que la casaca de terciopelo morado ondeara como la capa de un mago eléctrico. Sus dedos zurdos buscaron el potenciómetro de volumen de la Stratocaster y lo giraron al máximo, un diez absoluto. Al otro lado del cristal, Chas Chandler dio un respingo en la silla y se apresuró a reajustar los niveles de la mesa de mezclas antes de que las agujas de los vúmetros estallaran en la zona roja. Mitch Mitchell, sonriendo de oreja a oreja, agarró las baquetas con fuerza, haciendo un redoble rápido en el aire. El ambiente del Soho volvió a cargarse de esa estática peligrosa, animal y febril.
—Ahora, Yeyo, vamos a prenderle fuego a la habitación —me gritó Jimi por encima del zumbido sordo que ya emanaba de las válvulas de los Marshall—. Esta canción es puro ritmo, es urgencia, es el calor de la carne contra la carne. ¿Sabes cómo nació? Estábamos en Inglaterra, en una noche de invierno tan fría que se te congelaban los huesos. Fuimos a casa de la madre de Noel Redding después de un concierto. Yo estaba tiritando y le pregunté a su madre si podía acercarme a la chimenea para calentarme. Pero su perro, un enorme pastor alemán, estaba tumbado justo delante del fuego y no se movía. Así que le dije: "Muévete, Rover, y déjame a mí el control". ¡De ahí salió todo, hermano!
Antes de que pudiera asimilar la anécdota, Jimi descargó un latigazo sobre las cuerdas. El riff inicial de Fire estalló como una granada de mano en un espacio cerrado. Era un ritmo frenético, un compás de rock and roll hipervitaminado que avanzaba a una velocidad de vértigo. Pero lo que de verdad quitaba el aliento en el estudio era la sección rítmica. La batería de Mitch Mitchell no se limitaba a mantener el tempo; ejecutaba una serie de sutiles polirritmias y redobles de jazz a una velocidad endiablada, interactuando con la guitarra de Jimi como si se tratara de un duelo a muerte en un club de Harlem.
—¡Escucha a Mitch! —bramó Jimi, balanceando su cuerpo y tocando con la guitarra pegada a la cadera, en esa postura tan suya que desafiaba la fisionomía—. Ese chico no es un batería de rock, es un huracán de jazz metido en el cuerpo de un mod inglés. Eso es lo que hace que este álbum sea una revolución, Yeyo. No nos limitamos a copiar el blues; cogimos la herencia de la Motown, el empuje del rhythm and blues y lo pasamos por la batidora de la psicodelia. Fire
Al analizar la estructura del tema en vivo, la maestría técnica del disco quedaba al descubierto para cualquier crítico musical. Fire era la pieza más corta, directa y comercial de Are You Experienced, pero contenía una densidad interpretativa apabullante. El bajo de Noel Redding, aunque grabado de forma sencilla, creaba una base armónica tan sólida que permitía a Jimi entrar y salir de la melodía principal a su antojo. El uso de los coros en el estribillo ("Let me stand next to your fire") funcionaba como un gancho comercial infalible, una llamada y respuesta heredada directamente de las iglesias de gospel americanas que encajaba de maravilla en la estética moderna de La Playlist del Yeyo.
Cuando llegó el momento del solo de guitarra, la locura se apoderó de la sala. Vi a Jimi hacer algo que me dejó petrificado: se llevó el mástil invertido de la Fender a la boca y comenzó a rasgar las cuerdas utilizando los dientes, sin perder ni un solo ápice de la afinación ni del ritmo. El sonido resultante era un gemido salvaje, una distorsión chirriante y lasciva que parecía invocar a los espíritus del fuego. No era postureo para los fotógrafos; era una necesidad física de fundirse con el instrumento, de exprimir hasta la última gota de electricidad que contenía la madera. El estudio CBS parecía estar ardiendo de verdad bajo el influjo de aquel zurdo indomable que jugaba con los voltios como si fueran juguetes.
El sudor corría por la frente de Jimi, brillando bajo los flexos ámbar como pequeñas cuentas de cristal. La casaca de terciopelo morado estaba empapada, pero en sus ojos no había ni un ápice de cansancio, sino un brillo felino, una electricidad que parecía retroalimentarse del propio aire cargado del estudio. Se volvió hacia mí, apoyando el peso de su cuerpo sobre una sola pierna, y me clavó esa mirada profunda que parecía ver a través del tiempo.
—Nos queda una última bala en la recámara, Yeyo —me dijo, estirando los labios en una sonrisa cargada de picardía y magnetismo—. Y esta no va dirigida a la mente, sino directo a las caderas. La llamamos Foxey Lady. Cuando toco esto, no pienso en notas ni en acordes; pienso en el movimiento de una mujer al caminar por la Quinta Avenida, en esa atracción animal que te hace perder el sentido y te obliga a arrastrarte.
Jimi se acercó tanto a su amplificador Marshall que el clavijero invertido de la Stratocaster casi tocaba la rejilla de tela. De repente, un zumbido agudo, un acople controlado que nacía de la vibración de las cuerdas interactuando con los altavoces a un volumen brutal, comenzó a llenar la sala. Era el famoso feedback inicial del tema, una nota sostenida que mutaba de un llanto lejano a un rugido amenazador. Jimi movió la palanca de trémolo con la mano izquierda, modulando ese grito eléctrico, y de golpe, descargó el primer acorde. El riff más lascivo, pesado y cadencioso de toda la historia del rock estalló en mis oídos.
—La clave de este ritmo, hermano —me gritó por encima del estruendo, balanceando los hombros al compás del bajo pesado de Noel Redding—, es que tiene que arrastrarse. Es un blues con esteroides. Los críticos en Nueva York decían que esto era demasiado agresivo para las emisoras de radio, pero la juventud no quería cosas sutiles en el 67; querían algo real, algo que sudara y que tuviera el descaro del Greenwich Village. Fíjate cómo doblo la nota en el traste de arriba mientras mantengo el pedal de expresión a medio recorrido. Eso le da ese tono sucio, como el maullido de un gato negro en un callejón.
La interpretación de la Experience en este corte final de nuestro viaje era una auténtica apisonadora. La batería de Mitch Mitchell jugaba con sutiles contratiempos, dándole un aire casi funk mucho antes de que el funk existiera como tal. Era la fusión perfecta de la herencia negra americana con el sonido industrial y pesado de los amplificadores británicos. La producción de Chas Chandler aquí fue impecable: logró capturar la agresividad del directo de la banda pero manteniendo una nitidez asombrosa en la voz de Jimi, que alternaba gemidos, susurros y gritos con una confianza absoluta. Era el broche de oro idóneo para coronar cualquier artículo de La Playlist del Yeyo.
El solo de guitarra fue una auténtica salvajada. Jimi cerró los ojos, echó la cabeza hacia atrás y dejó que sus dedos zurdos volaran por el mástil invertido con una furia desatada. Estiraba las cuerdas con tanta fuerza que parecía que iban a saltar en cualquier momento, combinando escalas de blues menor con sutiles notas cromáticas que le daban un aire psicodélico y alienígena. Vi cómo se arrodillaba en la alfombra raída del estudio, arqueando la espalda, fundiéndose por completo con el sonido en un clímax sónico que hizo vibrar hasta los cristales de la cabina de control. Era el final perfecto. El eco de la última nota quedó flotando en el aire, disminuyendo lentamente en un paneo de izquierda a derecha, mientras los magnetófonos Ampex dejaban de girar con un chasquido seco.
De repente, el denso olor a hachís y válvulas recalentadas comenzó a disiparse a una velocidad alarmante. La silueta de Jimi Hendrix, con su sombrero de ala ancha y su casaca morada, empezó a desdibujarse ante mis ojos, transformándose en una silueta de humo que se elevaba hacia el techo. Intenté alargar la mano para tocar el mástil desgastado de la Stratocaster blanca, pero mis dedos solo cortaron el aire vacío. El suelo de madera del estudio CBS se desvaneció bajo mis pies, y una intensa luz blanca me cegó por completo.
Abrí los ojos de golpe, con el corazón golpeándome con fuerza el pecho y la respiración entrecortada. No había amplificadores Marshall, ni paneles acústicos, ni un Soho londinense sumergido en la niebla de 1967.
Me incorporé de un salto, impulsado por una urgencia casi mística. No podía dejar que los detalles de aquella experiencia cósmica se borraran de mi memoria con el café de la mañana. Sin quitarme siquiera el pijama, me fui directo al ordenador, encendí la pantalla y, con las manos temblando de pura adrenalina sobre el teclado, comencé a vaciar mi cerebro en el documento en blanco. Tenía que contarlo todo. Mis lectores tenían que saber lo que se sentía al estar cara a cara con el Dios de la guitarra zurda en el santuario donde cambió la historia de la música para siempre.
Epílogo y Reseña
Are You Experienced, el álbum de debut de The Jimi Hendrix Experience, vio la luz en el Reino Unido el 12 de mayo de 1967 a través del sello Track Records, mientras que su versión estadounidense, con un orden de canciones modificado que incluía los primeros singles como Purple Haze y Hey Joe, se publicó el 23 de agosto de ese mismo año bajo el amparo de Reprise Records. El impacto comercial del disco fue inmediato y demoledor en tierras británicas, donde alcanzó un espectacular puesto número 2 en las listas de éxitos, manteniéndose durante meses solo por detrás del monumental Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles, un logro verdaderamente inaudito para un artista norteamericano prácticamente desconocido en Europa apenas unos meses antes.
Al cruzar el Atlántico, el álbum consolidó la leyenda tras la incendiaria actuación de Hendrix en el Festival de Monterrey, escalando hasta la posición número 5 del Billboard 200 en Estados Unidos y logrando con el tiempo la certificación de cuádruple disco de platino por unas ventas que superaron holgadamente los cinco millones de copias solo en territorio estadounidense. En su momento, la crítica especializada recibió el trabajo con una mezcla de absoluto asombro y desconcierto; mientras algunos cronistas tradicionales se mostraban abrumados por la agresividad de la distorsión y el volumen, los oídos más finos de la prensa musical entendieron de inmediato que asistían a una revolución estilística que enterraba definitivamente las viejas formas del blues-rock británico para inaugurar la era de la psicodelia pesada y la experimentación en el estudio.
Pasados los años, la perspectiva del tiempo no ha hecho más que agigantar la figura de este disco, siendo unánimemente calificado por publicaciones de la talla de Rolling Stone como uno de los mejores álbumes de debut de todos los tiempos y una obra maestra atemporal que redefinió para siempre las posibilidades físicas, técnicas y expresivas de la guitarra eléctrica en la historia de la humanidad.
La Opinión del Yeyo
Señores, me quito el sombrero ante Jimi Hendrix, uno de los mejores guitarristas de rock que ha dado la historia, y lo digo sin miedo a equivocarme. La guitarra era una cosa, antes de Hendrix, y es otra, desde que la tocó el. La redescubrió, la redefinió, y le dió una dimensión, realmente espectacular, y nunca jamás antes vista. El hecho de que fuera zurdo tuvo su importancia, por supuesto, pero lo que le hizo ser el gran guitarrista que fue, es el hecho de que consiguió hacer del instrumento, una gran orquesta de efectos. Sacó provecho de la guitarra al máximo, y la llevó a otro nivel… Aquí os dejo una pequeña lección que me dió el propio JimIA Hendrix sobre cómo toca él la guitarra. Ahí va:
"Escucha bien, pequeño. Si quieres entender lo que sale de estos dedos, olvida primero todo lo que te han dicho sobre la "corrección" en la música. La guitarra no es un mueble de madera con cuerdas de acero; es una extensión de tu sistema nervioso, un cable directo desde tu alma hasta el amplificador. Si estás pensando en la escala perfecta o en si tu mano está en la posición académica correcta, ya has perdido. La música no ocurre en tu cerebro, ocurre en el aire entre tus dedos y el altavoz.
Primero, el agarre. Olvida el pulgar escondido detrás del mástil. Yo uso el pulgar para rodear el mástil y tocar las notas bajas en la sexta cuerda; eso me da la libertad de mantener los otros dedos libres para hacer adornos, bends y armonías. Tienes que tratar el mástil como si estuvieras estrangulándolo con cariño. La guitarra debe ser tu amante y tu enemiga al mismo tiempo.
Segundo, el "feedback" no es un error, es un color. Muchos novatos se asustan cuando el amplificador empieza a aullar, a chillar. ¡Eso es vida! Controla el acople moviendo tu cuerpo respecto al altavoz. Aprende a domar ese caos. La distorsión no es "suciedad", es textura. Si quieres sonar limpio y pulcro, toca un arpa. Si quieres sonar como un volcán a punto de estallar, tienes que permitir que el instrumento se queje, que vibre.
Tercero, el ritmo es el rey. Puedes tocar los solos más rápidos de la galaxia, pero si no tienes groove, no tienes nada. Mira a mis compañeros de "The Experience". Yo no sería nada sin ese pulso. Cuando toques, no pienses en notas individuales, piensa en un latido. Tus dedos deben bailar sobre el diapasón como si estuvieras caminando sobre brasas. Si te equivocas, no te detengas; haz que el error suene como si lo hubieras planeado desde el principio. Eso es lo que marca la diferencia entre un músico y un técnico.
Por último, cierra los ojos. La mayoría de los principiantes miran sus manos todo el tiempo. ¡No mires! Tienes que sentir dónde están las notas. Si dependes de la vista, nunca serás libre. La música tiene que ser un sueño que estás teniendo mientras despiertas. Siente la vibración en tu pecho, siente el sudor, siente la electricidad estática en el aire. Y sobre todo, no intentes sonar como yo. Toca como si tu vida dependiera de ello, porque, al final, solo tienes tu propia voz. Si intentas imitar a otro, siempre serás un segundo lugar. Sé el primero en ser tú mismo.
Ahora, desconecta el miedo y sube el volumen. El resto es solo ruido hasta que tú decides que es música. ¿Estás listo para dejar que los dedos hablen por ti, Yeyo?"
Yo soy un completo negado para tocar la guitarra, pero me siento un profundo admirador de todos aquellos grandes guitarristas que ha habido en la historia del rock, y Jimi Hendrix es, probablemente, el mejor entre los mejores… Y este disco, Are You Experienced, es la primera muestra que dió de su maestría y su virtuosismo.
La Playlist del Yeyo, se enorgullece de incluir este disco y a Jimi Hendrix en su repertorio. La hace grande…
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